Nous savons tous que la pantomime est une importante forme des arts vivant en Angleterre durant les fêtes, et certainement à Londres. Mais le cas du London Palladium est particulièrement intéressant parce que sa pantomime de Noël est devenue, depuis son retour en 2016, presque un genre théâtral à elle seule. Elle tient autant du panto britannique traditionnel que du music-hall, du grand show de variétés et du spectacle à effets façon Las Vegas.

Première précision pour commencer : la pantomime britannique n’a pratiquement rien à voir avec le « mime ». C’est un spectacle populaire qui s’inspire généralement d’un conte ou d’une légende très connue : Cinderella, Aladdin, Peter Pan …

Le récit sert de squelette. Autour de lui, on greffe chansons populaires, grands numéros dansés, gags d’actualité, slapstick, participation du public, adresses directes à la salle, célébrités et doubles sens destinés aux adultes. Le public est supposé crier, répondre, huer le méchant et prévenir un personnage de ce qui se passe derrière lui : le fameux « He’s behind you! » / « Oh no, he isn’t! – Oh yes, he is! ».

Traditionnellement, on rencontre aussi le panto dame, personnage féminin extravagant généralement interprété par un homme, et historiquement le principal boy, jeune héros masculin souvent interprété par une femme. Ces règles sont aujourd’hui beaucoup plus souples.

Le Palladium pratique cela à une échelle énorme. Le théâtre compte 2.286 places, et son histoire est intimement liée au music-hall et au spectacle de variétés : c’est précisément cette tradition que les pantos actuelles réactivent.

Le premier véritable panto du Palladium remonte à 1914 avec Dick Whittington and His Cat. Mais la grande époque est surtout celle de 1948 à 1987, lorsque les pantomimes de Noël y deviennent une institution et attirent des stars comme Julie Andrews, Cliff Richard, Cilla Black, Ronnie Corbett, etc. Après Babes in the Wood en 1987, la tradition disparaît pendant 29 ans. Elle renaît en décembre 2016 avec Cinderella, produite et mise en scène par Michael Harrison, alors pour Qdos Entertainment, aujourd’hui Crossroads Pantomimes.

Et depuis, Harrison a créé une véritable troupe informelle du Palladium. Julian Clary, Paul Zerdin et Nigel Havers en sont devenus les piliers. Cette année, en 2025, ils fêtent tous les trois leur dixième saison consécutive. À eux viennent s’ajouter chaque année une ou deux grosses vedettes de télévision, de comédie ou de musical.

C’est sans doute le point le plus important pour comprendre ces spectacles. Une pantomime « provinciale » peut encore raconter assez fidèlement Cinderella ou Jack and the Beanstalk. Au Palladium, le conte sert surtout de prétexte à une succession de « turns », au sens du vieux music-hall : « maintenant Julian Clary », « maintenant le ventriloque Paul Zerdin », « maintenant la grande chanteuse », « maintenant le danseur », « maintenant Nigel Havers se fait ridiculiser », etc.

Les critiques le signalent régulièrement : l’intrigue passe loin derrière les vedettes, les costumes, les chansons et les effets. C’est tout à fait cohérent avec l’histoire du Palladium comme « home of variety ».

Et surtout, l’humour est beaucoup plus adulte que l’image française que l’on pourrait se faire d’un spectacle de Noël pour enfants. Julian Clary enchaîne les sous-entendus sexuels, suffisamment transparents pour faire hurler les adultes de rire mais généralement assez ambigus pour passer au-dessus de la tête des plus jeunes. Le Palladium lui-même avertit désormais que ses pantos comportent des commentaires très suggestifs et des plaisanteries « coquino-salaces » et ne sont pas spécifiquement conçues pour les très jeunes enfants. Alors, moi, je peux y assister parce que déjà en français, une blague sur deux, je ne comprends pas, mais alors dans la langue de Shakespeare.

La chronologie officielle du Palladium donne ceci depuis la renaissance de 2016:

J’ai trouvé que l’édition 2024 – Robin Hood – poussait presque jusqu’au bout ce que la pantomime du Palladium est devenue: le conte n’est plus vraiment le spectacle; il est le prétexte à une gigantesque revue de Noël.

Sur le papier, on reconnaît évidemment Robin Hood : Robin et ses Merry Men vivent dans la forêt de Sherwood, le Sheriff of Nottingham est le méchant, Maid Marion doit être sauvée et King Richard finit par remettre les choses en ordre. Mais le scénario est extraordinairement mince. Une compétition de tir à l’arc, l’enlèvement de Marion et un mariage fournissent à peu près l’ossature narrative. London Theatre va jusqu’à écrire qu’il n’y avait « virtually no plot to speak of ». C’est très révélateur: si quelqu’un était venu pour découvrir la légende de Robin des Bois, il aurait probablement appris davantage en lisant le programme pendant l’entracte.

La première particularité est que Julian Clary occupe cette fois le rôle-titre. Depuis 2016, il était devenu la véritable star des pantos du Palladium tout en interprétant des personnages secondaires extravagants. Ici, le système cesse en quelque sorte de faire semblant : Robin Hood devient Julian Clary.

Autour de Julian Clary et Jane McDonald, on retrouve plusieurs habitués : Paul Zerdin (Will Scarlet), Nigel Havers (Friar Tuck), Charlie Stemp (Alan-a-Dale), Rob Madge (Spirit of Sherwood) et deux nouveaux venus particulièrement intéressants pour ceux qui suivent le monde du musical:

• Tosh Wanogho-Maud (Little John) : Young Simba dans The Lion King, puis a joué notamment dans The Book of Mormon et Show Boat. Il a surtout tenu plusieurs rôles particulièrement vocaux : Jimmy “Thunder” Early dans Dreamgirls et Ben E. King / Rudy Lewis dans The Drifters Girl.
• Marisha Wallace (Sheriff of Nottingham) : elle a notamment joué Effie White dans Dreamgirls au Savoy Theatre, Becky dans Waitress (rôle qu’elle a créé dans la production originale du West End), Motormouth Maybelle dans Hairspray, Ado Annie dans Oklahoma! au Young Vic, mais surtout Miss Adelaide dans Guys and Dolls au Bridge Theatre, qui lui a valu des nominations aux Olivier Awards et aux WhatsOnStage Awards. Donc, lorsqu’elle arrive dans Robin Hood comme Sheriff of Nottingham, le choix est assez savoureux: on confie le grand méchant traditionnellement masculin à une chanteuse connue pour ses beltings extrêmement puissants et son tempérament de diva de musical. Et le spectacle exploite clairement cela. Les critiques relèvent ses «powerhouse vocals» ; elle va même jusqu’à glisser le fameux riff final de Defying Gravity de Wicked dans l’un de ses numéros.

Marisha Wallace est donc la méchante de l’histoire et disposait évidemment de plusieurs occasions d’utiliser sa formidable voix. Charlie Stemp apporte quant à lui ce qui est devenu l’une de ses fonctions au Palladium : le grand numéro de chant et de danse à l’ancienne.

Rob Madge a une fonction dramaturgique assez amusante : son Spirit of Sherwood sert de narrateur et permet surtout de raccorder les différents morceaux du spectacle. C’était assez nécessaire puisque Robin Hood ressemble davantage à une succession de numéros qu’à une histoire continue.

Voilà une vraie curiosité. Il n’y avait pas de panto Dame traditionnelle dans cettée édition 2024. Gary Wilmot, qui avait rempli cette fonction dans plusieurs éditions précédentes, n’était pas disponible. WhatsOnStage relève explicitement cette absence comme l’une des singularités de l’édition 2024. Mais, dans un certain sens, Julian Clary remplit lui-même une partie de cette fonction : costumes extravagants, rapports directs avec le public, sous-entendus sexuels, rupture du quatrième mur… Il est Robin Hood dans le scénario mais, dans la mécanique de la pantomime, il est pratiquement la Dame.

À la fin du spectacle apparaît King Richard. Mais le rôle a été confié chaque soir à une célébrité différente, dont l’identité n’est pas annoncée au public à l’avance. C’est donc devenu un petit événement quotidien : qui sera King Richard ce soir ? Dans la série, il y a eu notamment Ian McKellen, Dawn French, Jennifer Saunders, James Corden, David Mitchell, Lee Mack, Amanda Holden, Beverley Knight, Jason Donovan, David Walliams, Jimmy Carr, Christopher Biggins, Alexandra Burke, Mark Gatiss, Lee Mead, Gary Wilmot et beaucoup d’autres. Lors de la Première, c’est Gary Wilmot qui a endossé le rôle, ce qui constitue un joli clin d’œil puisque son absence du casting principal était très visible.

Pour ma représentation, le rôle a été joué par quelqu’un que je ne connaissais pas … mais qui est très célèbre: Christopher Biggins. C’est un acteur et animateur de télévision britannique, né en 1948, mais c’est surtout une véritable légende de la pantomime britannique. Il est tellement associé au genre que le Panto Archive l’a fait entrer dans son Hall of Fame en le présentant comme « The Grand Dame of all Dames ». Lorsqu’il est apparu dans le petit rôle final de King Richard, à la différence de moi, le public britannique ne voit pas simplement « un acteur célèbre qui fait un cameo ». Il reconnaît immédiatement l’une des figures historiques de la pantomime britannique. Enorme ovation…

Très clairement, côté production, Michael Harrison adopte littéralement la politique du « pourquoi faire petit quand on possède le Palladium ? » On trouve dans cette version notamment:

• un dragon géant crachant du feu
• un camion de pompiers volant
• des créatures ou fantômes passant au-dessus du public grâce à des drones
• une longue séquence en film 3D dans Sherwood Forest (on reçoit des lunettes 3D)
• et même un T-Rex, dont le lien avec la légende médiévale de Robin Hood reste, reconnaissons-le, historiquement difficile à établir.

Les décors de Mark Walters représentaient une Sherwood volontairement féerique, presque comme les pages d’un livre illustré, avec végétation gigantesque, arcs et flèches démesurés et château de conte de fées. Les effets étaient signés The Twins FX, les projections par Duncan McLean, et la chorégraphie par Karen Bruce.

Il y avait également une amusante référence au spectacle qui avait occupé le Palladium durant l’été 2024 : Rob Madge exécutait un numéro détournant « Hello, Dolly! », en hommage à la production avec Imelda Staunton.

C’est probablement l’une des éditions où les critiques ont le plus débattu du degré d’obscénité de Julian Clary.

Le principe de ses « doubles sens » reste celui dont nous parlions : un enfant peut parfois n’entendre qu’une phrase bizarre tandis que l’adulte comprend parfaitement ce qui vient d’être suggéré. Mais certaines critiques estimaient que Robin Hood allait franchement plus loin.

Il y avait aussi beaucoup de plaisanteries d’actualité : Keir Starmer, Gregg Wallace, l’assisted dying bill alors débattu au Royaume-Uni… Nigel Havers, âgé de 73 ans, devenait naturellement la victime privilégiée de Clary. Et un dispositif de « audience cam » permettait même à Clary de faire filmer des spectateurs pour les commenter en direct. Là encore, on est beaucoup plus proche du variety et du stand-up que du récit dramatique.

Il y avait aussi beaucoup de plaisanteries autour de Robin et Maid Marion : Jane McDonald réclame davantage d’ardeur à son fiancé tandis que le Robin de Clary manifeste une attraction nettement plus évidente pour certains hommes de Sherwood. Là encore, les blagues jouent continuellement sur « wood », qui signifie bien sûr « bois » — indispensable dans Sherwood Forest — mais possède aussi en argot anglais une connotation sexuelle assez transparente. C’est pratiquement un cadeau pour un auteur de panto. 😄

Il a été globalement bon, mais très partagé, avec une moyenne d’environ 3,5/5. Ce qui est intéressant est que pratiquement tout le monde s’accordait sur deux constats : c’était extraordinairement spectaculaire et Julian Clary maîtrisait parfaitement le public. La divergence concernait la question : est-ce encore véritablement une pantomime, et y a-t-il trop de vulgarité ?

Presse Note Avis
The Stage ★★★★★ Très enthousiaste : un spectacle « gloriously over the top ». Admiration particulière pour la virtuosité technique, la 3D et les effets spéciaux. Pour Paul Vale, le Palladium malmène les règles traditionnelles de la panto, mais personne ne sait les briser avec autant de talent.
WhatsOnStage ★★★★ Parle d’un nouveau « bullseye », un nouveau coup dans le mille. Très positif sur Clary, McDonald, la distribution et surtout le sentiment de fête collective.
London Theatre ★★★★ Considère quasiment la panto du Palladium comme un genre théâtral en soi : double sens, extravagance et débauche de spectacle. Mais souligne que l’histoire de Robin Hood est pratiquement inexistante.
Evening Standard ★★★ Nick Curtis admire Clary et l’extravagance mais aurait souhaité moins de vidéo et un minimum de cohérence narrative. Il note que personne ne semble beaucoup se soucier du scénario.
The Times ★★★ Trouve le spectacle somptueux et souvent très drôle, particulièrement lorsque Clary est en pleine forme, mais juge l’ensemble trop chaotique et trop grivois, avec une accumulation qui finit par créer de l’encombrement plutôt que de l’abondance.
The Telegraph ★★ Claire Allfree est franchement hostile : selon elle, la recette se répète chaque année — décors ruineux, costumes énormes, Nigel Havers servant de souffre-douleur et flot continu de plaisanteries sexuelles de Clary.

Ce qui est amusant, c’est que les critiques positives et négatives décrivent presque exactement le même spectacle. Pour les premières, c’est une extraordinaire machine de divertissement qui réinvente les règles de la panto. Pour les secondes, c’est une énorme revue vulgaire qui a pratiquement abandonné ces mêmes règles.

Et le public, lui, a tranché. Commercialement, c’est un triomphe considérable. Au moment où j’écris ce post – on est après la fermeture du 12 janvier 2025 – Robin Hood était devenue la pantomime du Palladium la plus couronnée de succès depuis la renaissance de 2016 : plus de 132.000 spectateurs en cinq semaines, records de recettes pour une journée, une semaine et une saison, avec même toutes les places debout occupées depuis l’ouverture officielle. La production permit également au Palladium de franchir le cap du millionième spectateur de panto depuis 2016.

En ce qui me concerne, si je réfléchis vraiement, ce type de spectacle, c’est tout ce que je déteste. Mais en fait j’adore y assister. Je m’amuse. J’adore cet énorme show parfaitement monté. Ultra-professionnel. Et surtout j’adore de voir tout ces gens dans la salle passer un vrai bon moment avec des jeunes et des vieux, une vraie diversité à tous niveau. Sans que pour autant le spectacle ne soit édulcoré ou bien pensant.