Et je termine en beauté. Cela fait plusieurs fois que j’ai voulu voir ce spectacle, au Barbican. Voici une nouvelle reprise au Gyllian Lynne Theatre cette fois.

Je pourrais limiter mon post à l’essentiel: WAOW!

Avant d’entrer dans le vif du sujet, un avertissement amical: les spectateurs de Totoro sont invités au début du spectacle à ne rien révéler de ce qu’ils ont vu, afin de préserver la surprise – et quelle surprise! Si vous n’avez pas encore vu la pièce, mieux vaut vous arrêter ici : ce qui vous attend mérite d’être découvert sans le moindre indice. Car la surprise est en fait un choc, un vrai choc!

Le folklore shinto joue aussi un rôle essentiel. La spiritualité traditionnelle japonaise considère la nature comme habitée de kami, des entités qui résident dans les arbres, les pierres, les rivières ou les montagnes. Totoro n’est pas à proprement parler un kami au sens religieux: il n’appartient à aucun récit canonique, n’a pas une fonction précise. Mais son essence en découle clairement. Miyazaki imagine un être qui pourrait parfaitement se glisser dans cette cosmologie: un gardien de la forêt, massif mais doux, paisible, presque immobile, comme un animal ancestral dont le monde moderne aurait oublié l’existence.

Son nom même participe de cet ancrage poétique. Dans le film, la petite Mei entend une histoire de « trolls » dans un livre illustré. Elle essaie de répéter le mot, mais, comme beaucoup d’enfants, elle le transforme en un son plus rond, plus doux: Totoro. Miyazaki adopte immédiatement cette sonorité, qui évoque autant le conte occidental que la grandeur tranquille d’un être de la nature. Totoro devient ainsi une créature entièrement nouvelle, mais dont chaque détail renvoie à quelque chose de familier pour le spectateur: ses yeux ronds rappellent le hibou, sa silhouette évoque le tanuki (le chien viverrin japonais), et son pelage fait penser à un très gros chat que l’on aurait envie de serrer comme un coussin.

Lorsque Miyazaki commence à travailler sur Mon voisin Totoro au milieu des années 1980, il souhaite créer un film radicalement différent de la production d’animation de l’époque: une œuvre sans méchant, sans conflit héroïque, sans catastrophe à repousser. La véritable histoire, pour lui, est celle de deux sœurs qui grandissent et affrontent la maladie de leur mère. La magie ne doit pas résoudre les problèmes, mais simplement rendre le monde plus habitable. Totoro apparaît alors comme une sorte de présence tutélaire: il ne parle pas, ne juge pas, n’intervient que rarement… mais ses rares gestes – un sourire, un grognement, un trajet en chat-bus – suffisent à réenchanter la vie quotidienne.

En ce sens, Totoro est moins un personnage qu’un symbole: celui d’une nature profondément bienveillante, d’une enfance où tout est encore possible, et d’une forme de poésie qui se niche dans les interstices du réel. Depuis la sortie du film en 1988, la créature a dépassé son statut de héros de fiction pour devenir une icône culturelle. Beaucoup au Japon le perçoivent aujourd’hui comme un véritable esprit de la nature, une sorte de kami contemporain né non pas dans la nuit des temps, mais de l’imagination d’un artiste qui voulait réconcilier l’enfance avec la douceur du monde.

Il va falloir plus de 30 ans pour que naisse la formidable transposition de Totoro au théâtre: un projet jugé impossible… avant qu’il ne triomphe.

L’adaptation scénique My Neighbour Totoro, produite par la RSC (Royal Shakespeare Company) et le Barbican, est l’un des plus grands succès théâtraux du début des années 2020. Derrière cette réussite se cache une aventure artistique complexe, faite de doutes, de trouvailles et d’innovations techniques.

Pendant longtemps, Studio Ghibli refuse toute adaptation scénique de ses œuvres. La crainte est simple: comment transposer des créatures aussi emblématiques, aussi « vivantes », sans tomber dans le mimétisme maladroit? L’élément déclencheur vient de Joe Hisaishi, compositeur des musiques originales et producteur du projet. Il est convaincu qu’un spectacle vivant peut capter la poésie du film sans chercher à copier l’animation. Il fédère autour de lui la RSC (connue pour son excellence technique), le metteur en scène Phelim McDermott, (spécialiste des esthétiques visuelles d’opéra) et surtout Basil Twist, maître de la marionnette moderne. Les images ci-dessous montrent à quel point l’intervention de Twist est éblouissante:

Plutôt que d’utiliser des costumes anthropomorphes, l’équipe choisit la marionnette géante, manipulée à vue. Totoro devient alors massif, lent, poétique, mais présent, presque palpable.

Une équipe de marionnettistes invisibles ou partiellement visibles anime le moindre mouvement du personnage. L’effet n’est pas réaliste: il est magique. Et cette magie fonctionne précisément parce que le spectacle ne tente jamais de rivaliser avec le cinéma. Il propose autre chose: une présence ou une incarnation.

Le Chat-Bus, quant à lui, devient un chef-d’œuvre de théâtre visuel, mi-marionnette, mi-installation lumineuse, conçu pour onduler, vibrer, avaler la scène.

Je ne sais pas quoi dire sur la bande-son (jouée en live)… Elle est parfaite. Il n’y a rien à dire. Elle parachève l’univers.

À sa création en 2022 au Barbican, le spectacle affiche complet pendant des mois. Les critiques britanniques parlent d’un miracle théâtral, d’un spectacle qui « réconcilie les adultes avec « l’émerveillement ». La production est reprise en 2023 puis 2024, chaque fois sold out. Totoro devient alors l’un des plus grands succès publics de l’histoire récente du Barbican et de la RSC.

Les mots ne suffisent pas pour décrire le talent des artistes.

Au fond, My Neighbour Totoro est l’histoire d’une relation: celle qui unit deux enfants à une forêt vivante, pleine de mystère et de tendresse.

Voilà cette histoire toute simple….

La relation entre les deux sœurs est faite de jeux, de chamailleries, de confidences et d’inquiétudes. Tout cela rythme leur quotidien. La musique de Joe Hisaishi accompagne ces moments comme une respiration continue. L’apparition de Totoro à l’arrêt de bus sous la pluie – l’une des séquences les plus attendues si j’en juge par la réaction de la salle – devient un tableau visuel d’une précision hypnotique, où le théâtre, la marionnette et la lumière fusionnent.

Lorsque l’état de la mère se dégrade temporairement, Mei, bouleversée, tente de rejoindre seule l’hôpital pour lui apporter un épi de maïs « qui la guérira sûrement ». Elle disparaît, déclenchant une panique immédiate. Satsuki, désespérée, appelle Totoro à l’aide. Celui-ci répond en invoquant le Catbus (l’Arbre-Chat) – une création scénique spectaculaire, mi-marionnette mi-installation vivante, qui traverse l’espace comme une apparition lumineuse et féline. Le Catbus conduit Satsuki jusqu’à Mei, retrouvée seule et épuisée.

Le spectacle s’achève sur un tableau tendre et lumineux: les deux sœurs, rassurées, renouent symboliquement le lien avec leur mère, tandis que Totoro et les esprits de la forêt observent, complices et silencieux, avant de disparaître. Le final, conçu comme une image rituelle, scelle la rencontre entre la poésie du film et la puissance émotionnelle du théâtre vivant.

Au fond, chaque phrase que je pourrais écrire ici reste transparente: tout mot est illusoire. La seule manière de saisir le génie de My Neighbour Totoro est de le voir… puis de le revoir… et, soyons honnêtes, de le re-re-voir encore.