Come Alive! n’est pas une adaptation scénique de The Greatest Showman, mais une réinvention de son univers sous la forme d’un grand spectacle de cirque musical, construit autour des chansons du film, dans un lieu conçu pour que l’expérience commence bien avant que l’on s’asseye.

Tout part évidemment du film The Greatest Showman de Michael Gracey, sorti en 2017, et surtout de l’extraordinaire succès de la partition de Benj Pasek et Justin Paul. Le film avait très vite suscité l’idée d’une exploitation scénique.

Chip Seelig, qui avait participé à la production du film, a réfléchi dès 2017 à une forme immersive inspirée de cet univers. Le projet prend ensuite sa forme actuelle avec Simon Hammerstein, qui avait notamment créé Queen of the Night, cofondé le club/cabaret The Box (un night-club/cabaret très haut de gamme et volontairement provocateur, dont la première version est créée à New York par Hammerstein en 2007; la déclinaison londonienne ouvre à Soho en 2011, dans l’ancien Raymond Revuebar, haut lieu historique du strip-tease londonien) et travaillé sur la résidence My Way d’Usher à Las Vegas (où environ 150 spectateurs étaient conduits au contact de performers qui leur faisaient traverser différentes scènes évoquant la carrière d’Usher, avant d’être amenés dans la salle pour le concert proprement dit). Hammerstein développe donc depuis près de vingt ans une même idée: faire commencer le spectacle avant même que le spectateur ne soit assis. Une conception que Come Alive! pousse particulièrement loin. Petit détail généalogique assez savoureux: Simon Hammerstein est le petit-fils d’Oscar Hammerstein II.

Come Alive! a commencé ses représentations à Londres i y a quelques mois en septembre 2024, dans un lieu spécialement transformé à Earl’s Court, l’Empress Museum. La conception et la mise en scène du spectacle sont de Simon Hammerstein, avec notamment Ruby Law aux décors, Susan Kulkarni aux costumes, Jerry Reeve et Lukas McFarlane aux chorégraphies et Matthew Brind à la production musicale.

Il est important de distinguer ce spectacle du véritable musical scénique The Greatest Showman en développement chez Disney Theatrical prévu pour 2026. Come Alive! est donc une œuvre distincte, avec une nouvelle histoire et sans P. T. Barnum comme personnage central.

Quand on voit le spectacle, c’est paradoxalement la partie la moins importante… et celle que presque toute la presse considère comme la faiblesse du spectacle. En fait, moi je m’en fous. Le côté circacien me suffit. Il n’y a ici ni P. T. Barnum, ni Charity Barnum, ni Jenny Lind, etc.

L’héroïne est Max, une jeune femme fascinée par le monde du cirque. Elle est progressivement poussée par The Showman à quitter l’ombre, prendre des risques et devenir elle-même une meneuse de spectacle. Son compagnon Cory voit beaucoup moins favorablement cette transformation. Une rivalité entre différents groupes de circassiens vient également fournir quelques péripéties.

Mais le livret est essentiellement une structure permettant de passer d’une chanson et d’un numéro à l’autre. Et c’est probablement une erreur d’aller voir Come Alive! en se demandant: «Quelle belle histoire va-t-on me raconter?» La bonne question serait plutôt: «Qu’est-ce qu’ils vont bien pouvoir faire pendant Rewrite the Stars?» Là, le spectacle devient nettement plus convaincant.

J’ai un rapport au Cirque assez particulier pour avoir fréquenté de l’intérieur pendant de nombreuses années du Cirque Pauwels. Je l’ai vécu comme un lieu très humain, très vrai, où la proximité est essentielle. C’est ce qui m’a beaucoup manqué dans les spectacles du Cirque du Soleil que j’ai toujours trouvé gigantesques et froids. Comme le montre très bien la photo ci-dessous, à Come Alive!, personne n’est loin des artistes.

Le Big Top compte environ 700 places et les gradins entourent la piste. Time Out souligne justement qu’on observe les acrobates de beaucoup plus près qu’au Royal Albert Hall. Et c’est vrai qu’on perçoit réellement l’effort physique, ce qui rend les numéros parfois assez impressionnants. Le placement est en pente et en rond. Les premiers rangs permettent évidemment d’être pratiquement dans l’action; paradoxalement, les rangs plus hauts donnent parfois une meilleure lecture des numéros aériens. Et c’est là que j’étais…

Une des choses que j’ai vraiment aimées dans ce show, c’est la volonté de ne pas seulement faire un numéro pendant qu’une chanson passe. Non, le but a toujours été de faire correspondre le sens ou l’imaginaire de la chanson au numéro de cirque présenté. Et quand cela fonctionne, cela fonctionne vraiment très très bien.

En me renseignant sur le spectacle, j’ai appris à quel point cette volonté immersive va plus loin que celle d’un numéro de cirque au sein d’une chanson. J’en ai déjà parlé au début de ce post, mais Simon Hammerstein explique que le spectacle ne fonctionnerait pas dans un théâtre conventionnel. D’où l’Empress Museum.

Tout d’abord, le nom peut induire en erreur. Ce n’est pas un musée londonien historique. Le bâtiment est une grande structure démontable et spécialement conçue pour les expériences immersives, installée sur l’ancien site de l’Earl’s Court Exhibition Centre. Il avait ouvert en 2023 sous le nom de Daikin Centre pour accueillir la BBC Earth Experience, gigantesque installation audiovisuelle utilisant les images de la BBC et la voix de David Attenborough. Celle-ci a fermé en février 2024.

Le lieu a ensuite été entièrement reconverti pour Come Alive! et rebaptisé Empress Museum. Le mot « Museum » fait donc partie de la dramaturgie du spectacle. Ruby Law, la scénographe, explique qu’il fallait donner une identité au bâtiment et que l’idée du musée s’est imposée progressivement et a imaginé tout un avant-spectacle immersif. On entre dans un univers. Un peu comme on peut l’avoir dans la version actuelle de Cabaret au Playhouse Theatre dans le West End où plutôt qu’utiliser l’entrée habituelle du théâtre on rentre par l’entrée des artiste et descend au -2, immédiatement plongés dans les années folles.

Ici, à l’Empress Museum, on traverse d’abord une sorte de musée du cirque imaginaire: anciens posters d’acrobates et de phénomènes de foire, cannes, hauts-de-forme, costumes, photographies, loges d’artistes…

Puis l’espace s’ouvre. On découvre : des roulottes de cirque; des loges et ateliers de costumes; des baraques de diseuse de bonne aventure; de petits espaces de performance; des artistes qui circulent parmi le public; magie rapprochée, jonglage, acrobaties et petits numéros; plusieurs bars; le Empress Diner.

Autrement dit : l’entracte entre « la rue » et « le spectacle » a disparu. Le spectacle commence dès qu’on entre. Et là je trouve le concept franchement réussi car avant-spectacle on a vraiment dans l’Empress Museum une heure de déambulation, petits numéros, boisson, nourriture, photos, rencontres avec les personnages. C’est donc spresque trois heures d’expérience plutôt que 1h40 de spectacle. Et contrairement au West End traditionnel où tu dois généralement organiser séparément restaurant + théâtre, ici on peut pratiquement faire toute sa soirée dans le même lieu.

Il faut néanmoins préciser ce que signifie « manger ». Le Empress Diner n’est pas un restaurant gastronomique: burgers, hot-dogs, chicken tenders cajun, frites, wraps végétariens, grain bowls, popcorn, barbe à papa, etc. Il y a deux bars avec cocktails, mocktails, champagne, vin, bière… Mais moi, cela me convient totalement.

Et le spectacle tient totalement la route…